Биография
1. Детство и годы обучения (1881-1900)
Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в городе Малага, анадалузской провинции Испании. При крещении Пикассо получил полное имя Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Криспин Криспиньяно де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо - что по испанскому обычаю являлось чередой имен почитаемых святых и родственников семейства.
Пикассо - фамилия матери, которую и взял Пабло, поскольку фамилия отца казалась ему слишком обыденной, к тому же отец Пикассо, Хосе Руис, сам был художником.
Пабло рано проявил талант к рисованию. Уже с 7 лет он учился у своего отца технике рисования, который сначала поручал ему дописывать лапки голубей на своих картинах. Но однажды, доверив тринадцатилетнему Пабло дописать довольно большой натюрморт, он был настолько поражен техникой сына, что, по легенде, сам бросил заниматься живописью.
В возрасте 13 лет Пабло Пикассо с блеском поступил в Барселонскую Академию художеств. На подготовку к экзамену, обычно занимавшую у студентов месяц, у Пикассо ушла неделя. Он поразил комиссию своим мастерством и был принят в Академию несмотря на свой юный возраст. Отец Пикассо совместно с его дядей решили послать Пабло в Мадридскую академию "Сан Фернандо", считавшуюся на тот момент самой передовой Школой искусств во всей Испании. Так, Пабло в 1897 году в возрасте 16 лет приехал в Мадрид. Однако занятия в Школе искусств продлились недолго, меньше года, и Пабло был захвачен всеми другими прелестями мадридской жизни, а также изучением работ впечатливших его тогда художников - Диего Веласкеса, Франсиско Гойи, и в особенности Эль Греко. 
Коллекция ранних работ Пикассо находится в Барселоне, в музее Пикассо. Самые известные из них: "Первое причастие" (1896) - большая картина, изображающая сестру Пикассо Лолу, "Автопортрет" (1896), "Портрет матери"(1896). Уже будучи взрослым и посетив как-то выставку детских рисунков, Пикассо сказал: "В их возрасте я рисовал как Рафаэль, но мне потребовалась целая жизнь, чтобы научиться рисовать как они".
Во время обучения в Мадриде Пикассо совершил свое первое турне в Париж - признанную тогда европейскую столицу искусств. Там он в течение нескольких месяцев посетил все без исключения музеи, изучая живопись великих мастеров: Делакруа, Тулуз-Лотрека, Ван-Гога, Гогена и многих других. Также он увлекался искусством финикийцев и египтян, готической скульптурой, японской гравюрой. Пабло интересовало абсолютно все. Тогда же, в первые годы жизни в Париже он познакомился с коллекционером и торговцем живописью Амбруазом Волларом, поэтами Максом Жакобом и Гийомом Аполлинером и многими другими. Он вновь посещал в Париж в 1901 и в 1902 году и уже окончательно перебрался туда к 1904 году.
Ранние работы
Профаны частенько мечут в сторону художников-авангардистов реплики, что, мол, рисовать не умеют, вот и изображают кубики и квадратики. Пикассо может служить иллюстрацией ложности и примитивности подобного утверждения. С юных лет он умел отразить на бумаге натуру с максимальным сходством с оригиналом. Талант, удачно попавший с рождения в творческую среду (отец самой яркой фигуры в живописи ХХ века был учителем рисования и декоратором), развился молниеносно. Мальчик начал рисовать едва ли не раньше, чем говорить.
Первую свою картину маслом – «Пикадор» (1889) Пабло написал в восьмилетнем возрасте и хранил ее при себе всю жизнь. Он рисовал постоянно, сохранилось огромное множество набросков на тему тавромахии (какой испанец не любит бой быков!), этюды из жизни местного населения. Отец начал привлекать сына к росписям интерьеров, поручая ему писать ножки голубей. Затем именно отец настоял на поступлении Пабло в Барселонскую Академию художеств «Ла Конха». 13-летний вундеркинд исполнил экзаменационный рисунок фигуры обнаженного натурщика за один день, хотя на создание его отводился месяц.
Даже по самым ранним работам Пикассо видно, что в русле академического искусства он чувствует себя как рыба в воде: «Этюд к торсу» (1892) . Впрочем, штудирование гипсовых слепков не могло надолго занять уже состоявшегося юного художника, и он покинул Академию. В Мадридской Королевской Академии «Сан Фернандо», более престижной, Пикассо тоже проучился недолго. Учителями 16-летнего живописца стали полотна мастеров, увиденные в столичных музеях: Веласкеса, Гойи, Эль-Греко.
Темой картин Пикассо продолжает оставаться окружающая действительность. Это прохожие, рыбаки, купальщики, многочисленные портреты соседей, друзей, отца, похожего на Дон Кихота, изображения матери и сестры. Сестра Лола фигурирует в жанровой картине «Первое причастие» (1896), образ матери блестяще написан в портрете того же года ( «Портрет матери художника»). Тогда же создан один из первых автопортретов художника – «Автопортрет» (1896).
В 15 лет Пикассо написал большую картину, которую можно трактовать и как жанровую, и как символическую – «Знание и милосердие» (1897) . Еще одно наименование – «Посещение больной» говорит о содержании полотна. Врач (фигуру которого Пабло писал с отца) щупает пульс лежащей на кровати женщины, с другой стороны монахиня, держащая ребенка, подносит стакан воды. Таким образом, медицинская наука и сострадание противопоставляются друг другу. На выставке в Мадриде в 1897 году эта картина вызвала неприязнь критиков: рука больной показалась им недостаточно реалистично выписанной, они назвали ее перчаткой. А ведь именно неправдоподобно длинные пальцы вялой руки – предвосхищение будущей стилистики «голубого периода».
Достигнув профессионализма в реалистической передаче натуры, Пикассо смог отвергнуть этот архаичный для него вариант живописи, как пройденный этап. Пробы молодого мастера «поговорить на различных стилистических языках» включают портрет сестры – «Лола, сестра Пикассо» (1899) , вызывающий в памяти полотна импрессионистов, а завершают галерею ранних работ такие произведения, как «Испанская пара перед гостиницей»(1900). Яркие цветовые пятна приближают эту картину к протофовизму, а четкое очерчивание контуров – дань модерну. Именно в этом году Пикассо впервые посетил Париж – уникальное место, куда рвались все творческие личности и где из «адской смеси» талантов всех наций создавалось современное искусство. В 1904 году художник переехал в Париж навсегда.
На этом ученический этап (если этот термин можно применить к гениальному вундеркинду) был завершен. В Париже начинается «голубой период», за шедевры которого коллекционеры работ Пикассо платят самые большие деньги. Но это уже совсем другая история…
"Пикадор". 1889
"Автопортрет". 1895 г
"Правый профиль мужчины". 1892 г
"Этюд к торсу". 1892 г
"Портрет матери художника". 1896 г
"Первое причастие". 1896 г
Картина «Первое причастие» была создана 15-летним Пикассо по совету отца для Выставки изящных искусств в Барселоне в 1896 году. В это время Пабло учился в Школе изящных искусств Ла-Лонха. Один из его преподавателей Гарнело Альда (1866–1944), весьма успешный испанский художник, специализировался на живописи «высокого» академического исторического жанра, что предполагало в том числе создание картин и на религиозно-мифологические сюжеты. В его мастерской было собрано множество необходимых для подобной работы предметов: церковные одеяния, потиры, подсвечники, своеобразные «декорации», имитирующие алтарь, церковную паперть. Так как Гарнело Альда являлся коллегой дона Хосе Руиса (и андалусцем по происхождению), юному художнику было позволено воспользоваться этой студией.
Картина не была отмечена премией на выставке, ее никто не купил, но тем не менее Пабло получил заказ от женского монастыря в Барселоне на несколько картин религиозного содержания. К сожалению, эти работы погибли во время антимилитаристского и антиклерикального восстания в Каталонии в июле 1909 года. В этот период было сожжено около 50 церквей и монастырей, в том числе и обитель, где хранились картины Пикассо.
Пикассо никогда не был набожным, религиозным человеком (по крайней мере, в традиционном понимании этого слова). Тем не менее, в его ученических рисунках 1895–1896 годов довольно много сюжетов из жизни Иисуса (трапеза в Эммаусе, Тайная вечеря, Распятие и т.д.), Благовещение, немало изображений святых – св. Себастьяна, св. Петра, св. Антония Падуанского. Столь активного и амбициозного молодого художника не могли не интересовать средства выразительности и иконографические схемы, которыми пользовались великие мастера прошлого: эта своеобразная «пища» для его личного творческого роста, перевариваясь практически до неузнаваемости, постепенно формировала художническую индивидуальность Пикассо. Много лет спустя автор многих статей и книг о мастере Пьер Дэкс (р. 1922), знавший Пикассо более четверти века, спросил его, не сожалеет ли он о том, что писал картины, подобные «Первому причастию». И Пикассо ответил ему: «Не заблуждайся, для меня тогда это было очень важно».
"Знание и милосердие". 1897 г
В 1897 году Пикассо, следуя советам отца, пишет огромное полотно - 197 сантиметров в высоту и 249,5 сантиментров в ширину - в академической манере. Без сомнения, именно из уважения к отцу Пикассо, который даже того не понимая, прошлым летом открыл для себя экспрессионизм, написав один из лучших в испанской живописи портретов, портрет набожной и безумной тети Пепы, становится теперь гораздо консервативнее.
"Знание и милосердие" - не более чем обычная картина с бытовым сюжетом, композиция которой, вне всякого сомнения, продумана доном Хосе Руисом Бласко; к тому же ее тематика и композиция свидетельствуют о влиянии другой картины - "У постели больной матери" Энрике Патернина.
Добавим, что дон Хосе послужил моделью для врача на картине сына: он следит за пульсом умирающей, в то время как монахиня подносит ей маленького ребенка. Палау-и-Фабре выяснил, что ребенка, изображенного на картине, дон Хосе брал на несколько часов у бойкой попрошайки за небольшую плату, а монашеское одеяние - в одном из барселонских монастырей, настоятельница которого была родом из Малаги и дружила с тетей Пепой.
Но гораздо примечательнее самой картины ее судьба. Она по-прежнему приводит в восхищение далеких от искусства людей, которые задаются вопросом, как мог пятнадцатилетний подросток написать такое совершенное полотно. Пикассо подарил картину своему дяде Сальвадору вместе со всеми предварительными набросками, и в доме дяди Сальвадора она находилась вплоть до самой его смерти, после чего картину унаследовала Лола Руис Пикассо; в конечном счете полотно и все наброски оказались в барселонском Музее Пикассо.
"Матадор Луис Мигель Доминген". 1897 г
"Автопортрет". 1899 г
"Пикассо и художник Касагемас". 1899 г
"Испанская пара перед гостиницей". 1900 г
"Голубой" период
Первый творческий взлет, как ни странно, был спровоцирован долгой депрессией. В феврале 1901 г. в Мадриде Пикассо узнал о смерти своего близкого друга Карлоса Касагемаса. 5 мая 1901 г. художник второй раз в своей жизни приехал в Париж, где все напоминало о Касагемасе, с которым он совсем недавно открывал для себя французскую столицу. Пабло поселился в комнате, где провел свои последние дни Карлос, завел отнюдь не платонический роман с Жермен, из-за которой тот покончил с собой, общался с тем же, что и он, кругом людей. Можно представить, в какой сложный узел сплелись для него горечь потери, чувство вины, ощущение близости смерти... Все это во многом послужило тем "сором", из которого вырос "голубой период". Позже Пикассо говорил: "Я погрузился в синий цвет, когда понял, что Касагемас мертв".
Однако в июне 1901 г. на первой парижской выставке Пикассо, открытой Волларом, еще нет никакой "голубой" специфики: 64 представленные работы яркие, чувственные, в них ощутимо влияние импрессионистов.
В свои права "голубой период" вступал постепенно: в работах Пикассо появились достаточно жесткие контуры фигур, мастер перестал стремиться к "трехмерности" изображений, стал уходить от классической перспективы. Постепенно его палитра становится все менее разнообразной, все сильнее звучат акценты синего. Началом собственно "голубого периода" считается созданный в том же 1901 г. "Портрет Хайме Сабартеса". Сам Сабартес сказал об этой работе: "Разглядывая себя самого на полотне, я понял, что именно вдохновило моего друга, - это был весь спектр моего одиночества, увиденный извне".
Ключевыми словами для этого периода творчества Пикассо действительно являются "одиночество", "боль", "страх", "вина", примером тому может служить "Автопортрет" мастера, созданный за несколько дней до отъезда в Барселону.
В январе 1902 г. он вернется в Испанию, не сможет остаться - слишком уж тесен для него испанский круг, слишком манит его Париж, снова отправится во Францию и проведет там несколько отчаянно тяжелых месяцев. Работы не продавались, жилось очень тяжело. Ему пришлось вновь вернуться в Барселону и последний раз задержаться там на целых 15 месяцев.
Столица Каталонии встретила Пикассо высоким напряжением, со всех сторон его окружала нищета и несправедливость. Социальное брожение, охватившее на рубеже веков Европу, захватило и Испанию. Вероятно, это тоже сказалось на мыслях и настроениях художника, который работал на родине чрезвычайно много и плодотворно. Здесь созданы такие шедевры "голубого периода", как "Свидание (Две сестры)","Трагедия", "Старый еврей с мальчиком". Образ Касагемаса еще раз возникает в картине "Жизнь"; она была написана поверх работы "Последние мгновения", экспонировавшейся на Всемирной выставке 1900 г. в Париже и ставшей поводом для первой поездки Пикассо и Касагемаса в столицу Франции. В периоды безденежья художник не раз записывал свои старые холсты, но в данном случае это "варварство", вполне возможно, имело и некое символическое значение как знак прощания со старым искусством и с Карлосом, тоже навсегда оставшимся в прошлом.
Весной 1904 г. появилась возможность снова уехать в Париж, и Пикассо не медлил. Именно в Париже ждали его новые ощущения, новые люди, интересы и новый - "розовый" - период, который ведет свой отсчет с осени 1904 г.
"Любительница абсента". 1901 г
Во французском искусстве начала XX в. интерес к «порочным» персонажам был велик, у Пикассо много предшественников, особенно надо отметить влияние Тулуз-Лотрека. Во многих произведениях живописи звучит тема абсента, напитка, ставшего своего рода фетишем Парижа рубежа веков. Этой крепкой полынной настойке, «зеленой фее», приписывались особые качества: якобы приохотившиеся к ней люди страдают не от простого алкоголизма, а от особой «возвышенной» его формы, и погружаются в мир галлюцинаций и фантазий. Так что тематически Пикассо пока движется в рамках «мейнстрима» эпохи. Однако в образах, созданных молодым художником, есть обостренный драматизм. Так, в этом полотне особенно бросается в глаза гипертрофированная кисть правой руки, которой погруженная в свои мысли женщина словно пытается обхватить и защитить себя.
«Любительница абсента», хранящаяся в Эрмитаже, написана позже, осенью 1901 г. Картина имеет и другое название – «Аперитив». Источником нынешнего ее наименования стала запись в архиве Канвейлера, где полотно обозначено как «Женщина с бокалом абсента» (La femme au verre d`abssinthe). Именно у Канвейлера купил эту работу наш соотечественник – Сергей Иванович Щукин. Он познакомился с Пикассо еще в 1905 или 1906 г., но принял его творчество не сразу. Впервые он купил картину художника в 1909 г., а уже к 1914 г. в его коллекции было 51 произведение мастера. Собрать столько работ ни удалось, пожалуй, больше ни одному частному коллекционеру. После революции С. И. Щукин эмигрировал, а его собрание, национализированное в 1918 г., разделили между собой Эрмитаж и ГМИИ.
"Склонившийся Арлекин". 1901 г
"Женщина с шиньоном". 1901 г
"Смерть Касагемаса". 1901 г
"Автопортрет в голубой период". 1901 г
"Портрет торговца картинами Педро Манача". 1901 г
"Любительница абсента". 1901 г
"Женщина в голубой шляпе". 1901 г
"Гурман". 1901 г
"Абсент". 1901 г
"Свидание (Две сестры)". 1902 г
"Голова женщины". 1902 - 1903 г
"Пьяная уставшая женщина". 1902 г
"Старый гитарист". 1903 г
"Завтрак слепого". 1903 г
"Жизнь". 1903 г
"Трагедия". 1903 г
"Старый еврей". 1903 г
"Аскет". 1903 г
"Женщина с вороной". 1904 г
"Каталонский скульптор Маноло (Мануэль Хуго)". 1904 г
"Гладильщица". 1904 г
"Селестина". 1904 г
3. "Розовый" период (1904 - 1906)
"Розовый период" характеризуется более жизнерадостными тонами - охристыми и розовыми, а также устойчивыми темами изображений - арлекинами, бродячими актерами, акробатами ("Семейство комедиантов" (1905), "Акробат и молодой Арлекин" (1905), "Шут" (1905). Очарованный комедиантами, ставшими моделями его картин, он часто посещал цирк Медрано; в это время арлекин - любимый персонаж Пикассо. В 1904 году в Пикассо встретил модель Фернанду Оливье, которая вдохновила его на создание многих значительных работ этого периода. Они жили в центре богемной парижской жизни и мекке парижских художников Бато-Лавуар. Это странное полуразрушенное здание с темными лестницами и извилистыми коридорами было домом очень разношерстной компании: художники, поэты, торговцы, дворники... Здесь, в совершенной бедности на грани нищеты и неописуемом твоорческом беспорядке Пикассо постоянно писал свою Фернанду и искал свой путь.
Знаменитую "Девочку на шаре" (1905) относят к переходным картинам между "голубым" и "розовым" периодами. Художник играет на контрасте и балансе форм или линий, тяжести и легкости, устойчивости-неустойчивости. Также в конце "розового периода" появились "античные" картины - "Мальчик, ведущий лошадь" (1906), "Девочка с козлом" (1906) и другие.Уже на выставке в галерее Серюрье (25 февраля - 6 марта 1905 г.) были показаны работы, знаменующие начало нового этапа творчества мастера, - "Актер" и "Сидящая обнаженная". Также к началу "розового периода" относятся замечательные картины "Женщина в рубашке", "Акробаты. Мать и сын". Одним из признанных шедевров этого периода является полотно "Семейство комедиантов", которое отличает также и значительный размер (более двух метров и по высоте, и по ширине) и соответствующая ему амбициозность замысла.Интерес к классической форме проявился в "обнаженных" 1906 г. Образы молодых людей, женщин (например, в "Мальчике, ведущем лошадь" или в "Туалете") демонстрируют красоту и редкую в творчестве Пикассо безмятежность, что вполне укладывается в традиционную эстетику прекрасного. Однако в том же 1906 г. путешествие в Испанию, в Госоль - небольшую деревню в каталонских Пиренеях - дало толчок новым поискам художника. Лицо, которое стремится стать маской (в "Автопортрете" 1906 г.), уже дает знать об этих импульсах.
"Женщина в рубашке". 1904 - 1905 г
"Актер". 1904 г
"Девочка на шаре". 1905 г
Об этой картине искусствоведы всегда говорят: легкость и гибкость девочки-акробатки, балансирующей на шаре, противопоставлена массивности и устойчивости куба, на котором восседает атлет-богатырь. Также общепризнано, что Пикассо – преимущественно мастер формы, это его главный художнический интерес, самая важная проблема, которую он решает в своем творчестве. Потому особенно занятно, зная, к чему этот интерес привел позже, посмотреть, с какой трогательной и виртуозной констатации очевидного Пикассо начинал свой путь. Нежные жемчужные, розовые, голубые тона, новое ощущение воздуха, пространства позволяют считать «Девочку на шаре» одним из шедевров «розового периода».
Картина оказалась в России благодаря промышленнику Ивану Абрамовичу Морозову. До этого полотно побывало в коллекции Гертруды Стайн, откуда перешло в галерею Канвейлера. Именно у него в 1913 г. работу купил Морозов, заплатив за нее 16 000 франков (в 1906 г. Пикассо был счастлив, когда Воллар приобрел у него 30 картин за 2000 франков – так переменчива судьба художника). Личная коллекция И. А. Морозова (как и собрание С. И. Щукина) была национализирована в 1918 г.
"В кабаре Лапин Агиль или Арлекин с бокалом". 1905 г
"Акробаты (Мать и сын)". 1905 г
"Семейство комедиантов". 1905 г
"Акробат и молодой Арлекин". 1905 г
"Крестьяне. Композиция". 1906 г
"Мальчик, ведущий лошадь". 1906 г
"Туалет". 1906 г
"Автопортрет с палитрой". 1906 г
4. "Африканский" период (1907 - 1909)
В 1906 году Пикассо работал над портретом Гертруды Стайн. Он переписывал его около восьмидесяти раз и, по воспоминаниям самой Гертруды Стайн, в итоге Пикассо сказал ей в ярости: "Я перестал вас видеть, когда смотрю на вас". и оставил работу над портретом. Это был переломный момент в его творчестве и отсюда начался путь Пикассо от изображения конкретных людей к изображению человека как такового и к форме как к самостоятельной структуре. Пикассо требовались подтверждения его пути в общем развитии мирового искусства и новые впечатления для обретения новой творческой энергии и открытие наукой того времени целого пласта африканской культуры послужило толчком и для творчества художника. Особенно он интересовался африканской скульптурой и масками, он считал их наделенными магической силой и нашел в них чувственную простоту форм. Скорее всего именно эти "африканские влияния" и определили окончательный вариант портрета .
В 1907 году появилась знаменитые "Авиньонские девицы". Над ними художник работал больше года - долго и тщательно, как не работал до этого над другими своими картинами. Первая реакция публики - шок. Матисс был в бешенстве. Даже большинство друзей не приняли эту работу. "Такое ощущение, что ты хотел накормить нас паклей или напоить бензином", - говорил художник Жорж Брак, новый друг Пикассо. Скандальная картина, название которой дал поэт А. Сальмон, была первым шагом живописи на пути к кубизму, а многие искусствоведы считают ее отправной точкой современного искусства.
"Портрет Гертруды Стайн". 1906 г
"Авиньонские девицы". 1907 г
Эта картина, написанная Пабло пикассо в 1907 году и ставшая значительным этапом на личном творческом пути художника, во многом определила судьбу изобразительного искусства вообще. Не смотря на то, что полотно впервые увидело свет лишь тридцать лет спустя после написания, оно явилось миру открытой дверью в авангард. Ведь первыми зрителями «Девиц» стали художники - современники Пикассо: Ж. Брак, А. Дерен, А. Матисс… Последний высказывался крайне критически о полотне, и в этом «суждении» усматривается глубоко личный мотив. Представляется небезосновательным предположить, что избалованный признанием публики, честолюбивый француз, просто-напросто приревновал к картине, увидев именно в «Девицах», а не в своем «Танце» ключ к дальнейшему развитию живописи.
Парижская богема разделилась на два «лагеря», в одном из которых были «за» «Девиц», в другом – «против». Вот Жорж Брак, например, принадлежал к «правым». Ставший одним из «учредителей» кубизма, в паре с Пикассо он прошел «аналитическую» стадию. Свою обнаженную Брак написал, вдохновившись «Девицами». Но и у знаменитого испанца был свой творческий «наставник». Поль Сезанн во многом предвосхитил аналитический подход Пикассо, привнеся в живопись геометрический принцип трактовки формы.
Говоря об «Авиньонских девицах» Пикассо, нельзя не вспомнить о «Купальщицах» Сезанна. И это не единственная предпосылка. Канон иберийской пластики – популярного в то время среди художников ответвления архаического искусства, - легший в основу «Африканского периода» Пикассо, нашел свое воплощение и в этой картине. Завершая вышеозначенный творческий этап художника, «Авиньонские девицы» «провозглашают» следующий. Отодвигающая занавес рука на заднем плане имеет двойное значение: раскрывая перед зрителем пространство Кубизма, она свидетельствует о театральности происходящего на полотне. Живопись и театр – два увлечения Пикассо – встречаются в этой картине.
Начиная «Девиц», Пикассо предполагал «разыграть сцену» из жизни барселонского публичного дома в квартале Калле Де . Авиньон, и рабочее название полотна было - «Философский бордель». О какой же философии шла речь?
На время создания этой картины приходится кризис в отношениях Пикассо со своей первой спутницей, француженкой Фернандой Оливье. Пикассо заводит отношения на стороне. В свете событий личной жизни художника, задуманная им картина представляется некоторой квинтэссенцией его внутреннего состояния на тот период жизни, а в названии, данном творению, усматривается ирония. Спустя девять лет совместной жизни, художник начинает сомневаться в чувстве, проверяя его силу в альтернативных связях. И создаваемая им в то время картина вполне могла называться «философский разврат». Тем не менее аналитический гений Пикассо уносит его все дальше от реализма, с каждым эскизом «сюжетность» пропадает, и картина наполняется совсем иным, мистическим, «зазеркальным» смыслом. «Демонизм в творчестве Пикассо»: именно эта картина подсказала искусствоведению столь соблазнительную тему.
Меняется и название полотна. Близкий друг Пикассо, поэт Анре Сальмон, увидев картину в мастерской художника, предложил «переименовать» полотно в «Авиньонские девицы». Пикассо принял это предложение.
"Автопортрет". 1907 г
"Танец с покрывалами". 1907 г
"Голова женщины". 1907
5. Кубизм (1909 - 1917)
В "кубическом" периоде Пикассо выделяют несколько этапов. "Сезанновский" кубизм, представленный в работах "Бидон и миски" (1908), "Три женщины"(1908), "Женщина с веером" (1909) и других, характеризуется "сезанновскими" тонами - охристыми, зеленоватыми, коричневыми, но более размытыми, мутными и использованием простых геометрических форм, из которых строится изображение. "Аналитический" кубизм: предмет дробится на мелкие части, которые чётко отделяются друг от друга, предметная форма как бы расплывается на холсте. "Портрет Амбруаза Воллара" (1910), "Завод в Хорта де Сан Хуан" (1909), "Портрет Фернанды Оливье" (1909), "Портрет Канвейлера"(1910). На этапе "синтетического" кубизма работы Пикассо принимают декоративный и контрастный характер. Картины изображают по большей части натюрморты с различными предметами: музыкальными инструментами, нотами, бутылками вина, курительными трубками, столовыми приборами, афишами... Также, опасаясь превращения кубизма в чисто абстрактные эстетические упражнения, понятные лишь узкому кругу, Пикассо и Брак использовали в своих работах реальные предметы: обои, песок, веревки и др. Работы "синтетического" периода: "Натюрморт с плетеным стулом"(1911-1912), Бутылка перно (столик в кафе)" (1912) "Скрипка м гитара" (1913).
Несмотря на неприятие кубизма большинством, картины Пикассо очень хорошо покупаются. Наконец-то кончается нищенское существование и Пабло с Фернандой в сентябре 1909 года перебрались в просторную и светлую мастерскую на Клиши, 11. Конечно, Пикассо не забыл перевезти и свой обязательный беспорядок: причудливые бутыли и вазы, гитары, старый ковер, картины любимый художников - Матисса, Сезанна, Руссо, коллекция африканских масок... Он всегда говорил, что испытывает ужас перед гармонией и хорошим вкусом. Он покупал вещи, которые ему нравились, не заботясь о том, как они смотрятся вместе.
Осенью 1911 года Пикассо расстался с Фернандой. Его новой музой стала Ева (Марсель Умбер), с которой он жил и создавал свои кубические работы на Монпарнасе и в Авиньоне. Одна из работ, посвященных Еве - "Обнажённая, Я люблю Еву" (1912). Затем наступили печальные годы: война, мобилизация и расставание со многими друзями, неожиданная болезнь и трагическая смерть Евы.
"Бидон и миски". 1908 г
"Фермерша". 1908 г
"Дриада". 1908 г
"Три женщины". 1908 г
"Женщина с веером". 1908 г
"Две обнажённые фигуры". 1908 г
"Купание". 1908 г
"Портрет Фернарды Оливье". 1909 г
"Хлеб и ваза с фруктами на столе". 1909 г
"Женщина с мандолиной". 1909 г
"Женщина с веером". 1909 г
Лев Эллис
Женщина с веером (Картина Пикассо)
Свершён обряд заупокойный,
и трижды проклята она,
она торжественно-спокойна,
она во всём себе верна!
Весь чин суровый отреченья
она прослушала без слёз,
хоть утолить её мученья
не властны Роза и Христос...
Да! трижды тихо и упорно
ты вызов неба приняла
и встала, кинув конус чёрный,
как женщина и башня зла.
Тебе твоё паденье свято,
желанна лишь твоя стезя;
ты, если пала, без возврата,
и если отдалась, то вся.
Одно: в аду или на небе?
Одно: альков или клобук?
Верховный или низший жребий?
Последний или первый круг?
Одно: весь грех иль подвиг целый?
Вся Истина или вся Ложь?
Ты не пылаешь Розой Белой,
Ты Чёрной Розою цветёшь.
Меж звёзд звездою б ты сияла,
но здесь, где изменяют сны,
ты, вечно-женственная, стала
наложницею Сатаны.
И вот, как чёрные ступени,
сердца влекущие в жерло,
геометрические тени
упали на твоё чело.
Вот почему твой взор не может
нам в душу вечно не смотреть,
хоть этот веер не поможет
в тот час, как будем все гореть.
Глаза и губы ты сомкнула,
потупила тигриный взгляд,
но, если б на закат взглянула,
остановился бы закат.
И если б, сфинкса лаской муча,
его коснулась ты рукой,
как кошка, жмурясь и мяуча,
он вдруг пополз бы за тобой.
"Молодая дама". 1909 г
"Портрет Амбруаза Воллара". 1910 г
"Портрет Даниэля Анри Канвейлера". 1910 г
"Натюрморт с плетеным стулом". 1911 - 1912 г
"Скрипка". 1912 г
"Обнажённая, Я люблю Еву". 1912 г
"Бутылка перно (столик в кафе)". 1912 г
"Музыкальные инструменты". 1912 г
"Харчевня (Ветчина)". 1912 г
"Картёжник". 1913 - 1914 г
"Композиция. Ваза фруктов и разрезанная груша". 1913 - 1914 г
"Арлекин". 1915 г
"Полишенель с гитарой перед занавесом". 1919 г
"Три музыканта". 1921 г
6. Неоклассицизм (1918 - 1925)
Весной 1917 года поэт Жан Кокто, сотрудничавший с Сергеем Дягилевым, предложил Пикассо сделать эскизы костюмов и декорации к будущему балету. Художник отправился работать в Рим, где влюбился в одну из танцовщиц Дягилевской труппы - Ольгу Хохлову. Они поженились в 1918 году, а в 1921-м у них родился сын Поль.
В это время его полотна очень далеки от кубизма; на них: ясные и понятные формы, светлые тона, правильные лица. Самая выразительная картина этих лет -"Портрет Ольги в кресле" (1917). Пикассо активно критиковали за смену стиля, как прежде критиковали за кубизм. На эти обвинения он ответил в одном из интервью: "Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано". Другие картины "реалистического" периода: "Купальщицы" (1918), "Женщины, бегущие по пляжу"(1922), "Детский портрет Поля Пикассо" (1923).
"Портрет Ольги в кресле". 1917 г
"Эскиз постановки для балета "Парад"". 1917 г
"Арлекин с гитарой". 1917 г
"Пьеро". 1918 г
"Купальщицы". 1918 г
"Натюрморт". 1919 г
"Спящие крестьяне". 1919 г
"Тореро. Этюд для "Ле Трикорне"". 1919 г
"Три танцовщицы". 1919 - 1920 г
"Группа танцовщиц. Ольга Хохлова лежит на переднем плане".1919 - 1920 г
"Жуан-ле-Пен". 1920 г
"Портрет Игоря Стравинского". 1920 г
"Чтение письма". 1921 г
"Мать и ребенок". 1922 г
"Женщины, бегущие по пляжу". 1922 г
"Портрет Ольги Пикассо". 1922 - 1923 г
"Деревенский танец". 1922 - 1923 г
"Детский портрет Поля Пикассо". 1923 г
"Любовники". 1923 г
"Свирель Пана". 1923 г
"Мадам Ольга Пикассо". 1923 г
"Мать Пикассо". 1923 г
"Ольга Хохлова, первая жена Пикассо". 1923 г
"Поль в костюме Арлекина". 1924 г
"Поль в костюме Пьеро". 1925 г
"Три грации". 1925 г
7. Сюрреализм (1925 - 1936)
"Красота будет конвульсивной, или ее не будет" - сказал Андре Бретон, основоположник сюрреализма, течения в искусстве, ставившего своей задачей постижение истинных глубин художественного творчества посредством проникновения в мир снов и бессознательного.
В 1925 году Пикассо написал картину "Танец". Агрессивная, болезненная, с деформированными фигурами, она отражает тяжелый период в семейной жизни художника и одновременно провозглашает новый перелом в его творчестве. Пикассо близок к сюрреалистам, но у него всегда свой путь.
Работы этого периода: "Купальщица, открывающая кабинку" (1928), "Фигуры на пляже" (1931), "Женщина с цветком" (1932) и др.
В холодный январский день 1927 года Пикассо встретил семнадцатилетнюю Марию Терезу Вальтер. Он приобрел для нее замок Буажелу и там она стала его единственной моделью и героиней нескольких его известных работ, например "Зеркало" (1932, частное собрание), "Девушка перед зеркалом", (1932, Музей современного искусства, Нью-Йорк); с нее также сделана скульптура "Женщина с вазой" (теперь она стоит на могиле художника)). В 1935 году Мария-Тереза родила дочь Майю, но к 1936 году Пикассо расстался с обеими женщинами, хотя официально не был разведен с Ольгой Хохловой вплоть до ее смерти в 1955 году.
В 1930-1934 годах Пикассо увлекается скульптурой и создает ряд скульптурных работ в духе сюрреализма: "Лежащая женщина" (1932), "Мужчина с букетом" (1934), а также с помощью своего испанского друга-скульптора Хулио Гонсалеса сооружает различные металлические абстрактные конструкции. В те же 30-е гг. он создает ряд гравюр-иллюстраций к "Метаморфозам" Овидия (1930) и произведениям Аристофана (1934), свидетельствующих о том, что классика всегда была для него сильным источником вдохновения.
"Три танцора". 1925 г
Эта картина — первая работа в русле сюрреализма, где художник «поверяет алгеброй гармонию», разбирая человеческие тела на составные части и складывая их заново по одному ему ведомым принципам. Бытовало мнение, что диссонанс в отношениях с женой, экс балериной Ольгой Хохловой, был причиной изображения танцоров в виде конвульсивно дергающихся марионеток. Лишь в 1965 году живописец объяснил, что полотно, наполненное изломанными фигурами, правильнее было бы назвать «Пляской смерти», поскольку навеяно оно воспоминаниями о гибели двух его друзей-художников: Карлоса Касагемаса в 1901 году и Рамона Пишо в 1925 году (вовлеченных в любовный треугольник с роковой женщиной по имени Жермен Гаргалло). Во время первого вояжа Пикассо в Париж Касагемас был его спутником. Обуреваемый страстью к Жермен, он выстрелил в нее, а потом в себя. В первом случае пуля пролетела мимо, и дама через некоторое время стала женой Рамона Пишо. Во время работы над «Тремя танцорами» Пикассо получил известие о смерти Пишо.
"Обнажённая на пляже". 1929 г
"Обнажённая на пляже". 1929 г
"Обнажённая на пляже". 1929 г
"Обнаженная в кресле". 1929 г
"Акробат". 1930 г
"Распятие". 1930 г
В 1930 году Пикассо написал неожиданную для его творчества картину на евангельскую тему — «Распятие», которое считается этапным шагом на пути от первого образца сюрреализма – полотна «Три танцора» (1925) к знаменитой «Гернике» (1937). Произведение сюжетно: в чудовищно деформированных фигурах узнаваемы все участники неоднократно воспроизводимой художниками всех времен и народов евангельской истории. Один из уникальных моментов композиции — использование различного масштаба для фигур. Значимость персонажей для происходящих событий Пикассо подчеркивает размерами: распятый Иисус Христос и едва угадываемые в резких контурах и цветовых плоскостях Богоматерь и Мария Магдалина крупные, чуть меньше — сброшенные с крестов тела разбойников и солдаты, разыгрывающие в карты плащ казненного. Самые миниатюрные фигурки — это человек, приколачивающий руку Христа к перекладине и всадник, тыкающий копьем в пригвожденное тело. Драматически изломанные персонажи «Распятия» предвосхищают аффектированных героев «Герники». Сюрреалистическая интерпретация сюжета может трактоваться как богохульство, хотя обращение атеиста Пикассо к религиозной тематике – отражение его размышлений о происходящем в мире.
"Фигуры на пляже". 1931 г
"Девушка, бросающая камень". 1931 г
"Обнажённая в кресле". 1932 г
"Натюрморт - бюст, чаша и палитра". 1932 г
"Женщина с цветком". 1932 г
8. Война в Испании. Герника. Вторая мировая война (1937-1945)
Начиная с 1930-х годов в творчестве Пикассо появляется такая ключевая для него тема и образ как бык, Минотавр. Художник создает целый ряд работ с этим персонажем ("Минотавромахия", 1935), при этом миф о Минотавре Пикассо трактует по-своему. Для Пикассо бык, Минотавр - это разрушительные силы, война и смерть.
Апогеем развития этой темы стала знаменитая картина Пикассо "Герника" (1937). Герника - это маленький городок басков на севере Испании, практически стертый с лица земли немецкой авиацией 1 мая 1937 года. Эта огромная (почти восемь метров в длину и три с половиной в высоту) монохромная (черный, белый, серый) картина была впервые выставлена в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже.
Однажды гестапо устроило обыск в доме Пикассо. Нацистский офицер, увидев на столе фотографию "Герники", спросил: "Это вы сделали?". "Нет" - ответил художник - "это сделали вы".
В этот же период создана и серия монстров "Мечты и ложь генерала Франко" (1937) (в 1936 году во время гражданской войны в Испании Пикассо поддержал республиканцев и выступил против сторонников генерала Франко) и еще ряд картин на сходные темы: "Ночная рыбалка на Антибах" (1939), "Плачущая женщина" (1937) (последнюю картину он писал с Доры Маар, югославской женщины-фотографа, с которой Пикассо познакомился в 1936 году; она прославилась тем, что запечатлела стадии работы Пикассо над "Герникой").
В годы второй мировой войны Пикассо живет во Франции, где сближается с коммунистами-участниками Сопротивления (в 1944 Пикассо даже вступает во Французскую компартию). В это время он создает такие картины с тем же лейтмотивом быка, войны и смерти: "Натюрморт с бычьим черепом" (1942), "Утренняя серенада" (1942, Нац. музей современного искусства, Центр Помпиду, Париж), "Бойня" (1944-1945, Музей современного искусства, Нью-Йорк) и скульптуру "Человек с ягненком" (1944), которая была установлена впоследствии перед старинным романским собором на торговой площади города Валлорис на юге Франции.
"Герника". 1937 г
26 апреля 1937 года баскский городок Герника стал мишенью для бомбардировки франкистскими самолетами Ju-52 легиона «Кондор». Всего было сброшено 22 тонны бомб. Результаты: центр города практически стерт с лица земли, более 70% зданий разрушено полностью или частично, убито более 1600 человек. Освещение событий и придание всеобщей известности этой бомбардировки – заслуга английского журналиста Джона Стира, который побывал на месте событий вскоре после трагедии, осмотрел разрушения и расспросил местных жителей, а также нашел осколки бомб с немецкими клеймами.
«Герника» (исп. Guernica) была заказана Пикассо испанским правительством, которое собиралось разместить ее на Всемирной выставке в Париже. Художник представил картину в мае 1937 года. Огромная, 3,5 м высотой и 7,8 м шириной, она была написана маслом в черно-белом стиле в течение одного месяца. Международный журналист А. В. Медведенко рассказывал, что художник "работал неистово, как сумасшедший... Первые дни Пикассо стоял у мольберта по 12-14 часов. Работа продвигалась столь стремительно, что невольно складывалось впечатление, что он давно продумал картину в мельчайших подробностях и деталях".
Впервые произведение «Герника» было вставлено на всеобщее обозрение в июне 1937 году в испанском павильоне на Всемирной выставке и вызвало очень неоднозначную реакцию у критиков и даже поклонников художника. Французский архитектор Ле Корбюзье, присутствовавший на открытии испанского павильона, вспоминал потом: "Герника" видела в основном спины посетителей", а сам художник, вспоминал познее: "Чего только не довелось мне услышать о моей "Гернике" и от друзей, и от врагов".
В 1939 году картина была перевезена в Нью-Йорк, с условием, что она будет возвращена в Испанию, только, когда там будет установлена демократия. В 1967 году, после некоторого политического смягчения авторитарного строя генерала Франко, правительство Испании попыталось вернуть «Гернику», однако Пикассо ответил отказом. И только в 1981 году она вернулось на родину художника.
Как и во времена Пикассо, в настоящее время отношение к картине неоднозначное. В первую очередь осторожность проявляется со стороны политических деятелей. Известно, что в 2003 году копия картины в здании ООН в Америке была занавешена тканью. Это совпало с обсуждением вторжения в Ирак.
"Плачущая женщина". 1937 г
"Кошка, схватившая птицу". 1939 г
"Ночная рыбалка на Антибах". 1939 г
"Натюрморт с бычьим черепом". 1942 г
"Склеп". 1944 - 1945 г
"Натюрморт". 1945 г
9. Послевоенный период (1945 - 1960e)
Уже в мирное время, в 1946 году, Пикассо делает живописный ансамбль из 27 панно и картин для замка княжеской семьи Гримальди в Антибе - курортном городе на Средиземноморском побережье Франции. Панно в первом зале называется "Радость бытия" и вся серия выдержана в том же духе гармонии с природой и бытием - изображения фавнов, обнаженных девушек, кентавров, сказочных существ…
В 1946 году Пикассо знакомится с молодой художницей Франсуазой Жило и переезжает с ней в замок Гримальди. Франсуаза вскоре дарит ему сына Клода и дочь Палому. Франсуазе посвящена картина "Женщина-цветок". (В 1953 году Франсуаза сбежала от Пикассо с двумя детьми из-за его сложного характера и постоянных измен, художник тяжело переживал это расставание, что отразилось в ряде его работ того времени - например, в серии рисунков тушью, изображающих отвратительного старого карлика буффонадно контрастирующего с юной и прекрасной девушкой).
В 1949 году Пикассо рисует своего знаменитого "Голубя мира" на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже, а в 1951 году создает политическую картину "Резня в Корее" (Музей Пикассо, Париж). С 1947 года Пикассо живет на юге Франции, в городе Валлорисе, где расписывает в 1952 году стены старой капеллы аллегорическими символами войны и мира и сам называет все это "Храмом мира". В Валлорисе же Пикассо занялсякерамикой. Он создает своих излюбленных персонажей - кентавров, фавнов, быков, голубей, женщин, делает антропоморфные кувшины. До сих пор в этом городке на юге Франции сохранились так называемые "керамические мастерские", которые продолжают держать марку "Пикассо" и тиражировать изделия, придуманные художником. В 1958 году уже признанный и прославленный художник создает для здания ЮНЕСКО в Париже монументальную композицию "Падение Икара". В 1961 году почти 80-летний Пикассо женится на 34-летней красавице Жаклин Рок. Она вдохновляет его на серию портретов, на которых можно увидеть ее точеный профиль сфинкса. Для нее и себя он покупает виллу в Каннах.
В 1950-х годах Пикассо пишет различные вариации на темы прославленных мастеров - Веласкеса, Гойи, Манэ в свободной скандальной кубистической манере: "Девушки на берегу Сены. По Курбе" (1950, Художественный музей, Базель), "Алжирские женщины. По Делакруа" (1955), "Менины. По Веласкесу" (1957), "Завтрак на траве. По Мане" (1960).
"Портрет Франсуазы". 1946 г
Это один из самых лиричных портретов Франсуазы Жило – женщины, глядя на фотографии которой, понимаешь, что есть в ней нечто неземное, отличающее ее от окружающих. Пикассо познакомился с Франсуазой в 1946 году. Вначале их сблизило искусство, спустя некоторое время начался роман, продлившийся почти десять лет. Отношения не были простыми: художник был постоянен лишь в любви к музе, тем не менее, на этот раз не он ушел, а его бросили. Поняв, что лучшее осталось в прошлом, Франсуаза покинула Пикассо, став единственной женщиной, разорвавшей связь с ним по своей воле.
В ней была страсть, внутренняя решимость и твердость. Это отразилось в портрете 1946 года: в четкости линий, композиции работы. Особенно яркая деталь - волосы, свободно и жестко вьющиеся, дающие представление о характере изображенной женщины. Внешнее сходство ее с Франсуазой Жило, запечатленной на фотографиях, угадать сложно, однако душевное – вполне. Для художника же уметь распознать человека очень важно. Сложно сделать это, если не любишь. Любовь, видимо, была.
"Женщина в кресле I". 1948 г
"Клод, сын Пикассо". 1948 г
"Палома и Клод, дети Пикассо". 1950 г
"Палома с целлулоидной рыбой". 1950 г.
"Рыцарь, паж и монах". 1951 г
"Портрет Сильветт". 1954 г
10. Последние годы (конец 60-х - 1973)
В позднем творчестве художник часто обращается к женскому портрету (портреты Жаклин Рок). Жаклин остается последней и верной женщиной Пикассо и ухаживает за ним, уже больным, ослепшим и плохо слышащим, до самой его смерти. Умер Пикассо 8 апреля 1973 в возрасте 92 лет, мультимиллионером, в городе Мужене во Франции и похоронен около принадлежавшего ему замка Вовенарг. Он оставил после себя более 80 тысяч работ (по другим сведениям около 20 тысяч). О смерти сам Пикассо говорил так:"Я все время думаю о Смерти. Она всего лишь женщина, которая никогда не покинет меня". Еще при жизни художника, в 1970 году был открыт Музей Пикассо в Барселоне (картины для этого музея передал сам Пикассо), а в 1985 усилиями наследников художника - уже был создан Музей Пикассо в Париже, насчитывающий более 200 картин, более 150 скульптур и несколько тысяч рисунков, коллажей, эстампов, документов.
Творчество Пикассо кардинальным образом повлияло на ход развития искусства и культуры всего XX века. А на мировых аукционах до сих пор отыскиваются и выставляются на продажу все новые и новые, пока еще малоизвестные работы прославленного мастера из его огромного наследия.
"Море". 1967 г
"Цветы и человек с зонтом". 1968 г
"Поцелуй". 1969 г
"Человек в золотом шлеме (Рембрандт)". 1969
"Художник". 1970 г
"Завтрак на траве". 1970 г
"Художник и его модель 7". 1970 г
"Портрет мужчины в соломенной шляпе". 1971 г
"Купальщица". 1971 г
"Лежащая обнаженная". 1971 г
"Мужчина и женщина 2". 1971 г
"Автопортрет". 1972 г
"Мушкетер (мужчина)". 1972 г
"Автопортрет". 1972 г
"Двое". 1973 г
Свежие комментарии